В декабре я провёл мастер-класс в «Аудио школе DJ Грува» в Москве, на котором поделился личным опытом музыкальной профессии. А теперь готово видео, поэтому мастер-класс можете посмотреть и вы:

Это было моё первое публичное выступление, где надо было что-то говорить — жутко волновался. Конечно, в будущем есть над чем работать: интонация, взгляд, осанка и вот это всё. Сейчас смотрюсь довольно уныленько.

Впрочем, ценность информации от этого меньше не стала, поэтому если вы начинающий музыкант — посмотрите обязательно. Ну, а если целый час смотреть лень, то вот таймкоды по темам:

С удовольствием еще выступлю на конференции, в школе электронной музыки или любом другом музыкально-образовательном мероприятии. Зовите в гости.

Смотрите также фотографии с мастер-класса.

Когда меня спрашивают, с чего начать заниматься музыкой, я отвечаю встречным вопросом: «А зачем? Цель какая?».

Ответы варьируются, но чаще всего их можно разделить на две условные группы: писать «для себя» (просто так, показать друзьям) и «для карьеры» (превратить музыку в профессию, зарабатывать деньги).

Казалось бы, какая разница: ну вот сидит чувак, делает там что-то за компом, крутит кнопочки. Какая разница, для чего он это делает: для себя или нет?

А разница большая.

Представьте, что вам нравится готовить еду. Нигде специально не учились, но любите вкусно покушать и угощать близких. Вы можете приготовить рататуй, чили кон карне или пад-тай. А можете ничего не готовить, если нет продуктов или лень, и просто заказать пиццу. В этом смысле у вас полная свобода, а вашим близким, скорее всего, понравится всё что бы вы не приготовили.

Совсем другое дело, если вы повар. Прежде, чем устроиться на работу, предстоит выучить кулинарное дело, основы пищевой химии, обработки продуктов, складского менеджмента, поставки и много чего другого. Во время готовки также обязательно придерживаться технологической карты, соблюдать выход продукта и следить за подачей, потому что у ресторана определённые стандарты, а у посетителей — ожидания. Лет так четырнадцать назад я думал о карьере повара, поэтому немного об этом знаю.

Или другой пример — с онлайн-играми. Вас зовёт друг и вы с удовольствием заходите в игру на пару часиков: не спеша поделать квестики, поэкспиться и сходить в данжен. Если «в реале» завал, то можете не заходить в игру неделями, и всё нормально — никому не обязаны.

Совсем другое дело, если вы профессионально занимаетесь киберспортом. Просто так самому уже в игру не зайти: обязательна нужна команда, голосовой чат, чёткий план и многочасовые тренировки сценариев и тактик. Если редкий босс заспаунится, надо собрать рейд и не допустить другим игрокам забрать лут — и неважно, если в вашем часовом поясе это пять утра. Одно время я играл в онлайн-игры, поэтому немного об этом знаю.

Ну так вот: в музыке всё тоже самое.

Писать музыку «для себя» — значит быть вольным художником: хотите — пишете, не хотите — не пишете. Захотели написать что-то супер необычное, даже если другим это кажется полной фигнёй — без проблем, всегда можно сказать, что «такая авторская задумка». Стандартов нет. Внешнего дедлайна нет. Словом, делай что хочешь.

Про музыкальные стандарты

Совсем другое дело, если вы профессиональный музыкант. Нужно знать продакшн, саунд дизайн, акустику, аранжировку, композицию, сведение — и это только чтобы написать качественный трек. Дальше еще больше: нужно знать рынок, уметь себя продвигать, доносить музыку до аудитории, вести переговоры, планировать бюджет, понимать контракты, организовывать себя, играть DJ-сеты и делать еще много, много чего. За шесть лет музыкальной карьеры я немного об этом знаю.

Если обобщить, то можно сказать так: для занятия чем-либо в профессиональном плане нужно знать больше смежных дисциплин, учитывать рынок и много трудиться. Очень много. А если обобщить еще сильнее, то для хобби важен процесс, а для профессии — результат. Думаю, в этом основное различие.

в хобби важен процесс, в профессии — результат

Завершить хочу одной важной мыслью: вы не обязаны становиться профессионалом. Готовить еду для близких, играть в игру с друзьями или писать музыку для себя — это прекрасно. Если вам нравится процесс, то просто наслаждайтесь им.

Продолжаю отвечать на вопрос Константина: вчера я рассказал о рекорд-лейблах в целом, а сегодня — конкретно про мою работу на одном из них.

Лейбл

Лейбл, на котором я работаю, называется JOOF — по аббревиатуре из имени его основателя, Джона ’00’ Флеминга. Лейбл основан в 1998 году (в этом году празднуем двадцатилетие!) и сегодня является весьма уважаемым среди почитателей андеграундной транс-музыки.

JOOF состоит из трёх подлейблов: JOOF Recordings, JOOF Mantra и JOOF Aura. На каждом — свой стиль. Скину пару примеров, чтобы было понятно, о чём речь.

На JOOF Recordings мы выпускаем прогрессив, транс, иногда немного техно:

На JOOF Mantra — пситранс, довольно не-мэйнстримовый (по секрету, у Мантры будет небольшой ребрендинг, потом еще напишу):

На JOOF Aura — диповый прогрессив, ближе к хаусу:

Моя роль

Моя должность на лейбле формально называется A&R—менеджер, и я отвечаю за артистов и репертуар (кажется, в русском языке так и не появилось нормального слова для этой профессии, поэтому так по-дебильному приходится писать, A&R).

Так как лейбл довольно известный, много артистов хотят издать у нас музыку и присылают свои демо-записи — штук сто в неделю. Моя основная задача — отслушивать все входящие демо и решать, что подходит, а что нет.

Если трек по моему мнению подходит, я добавляю его в Трелло (о сервисе как-нибудь отдельно расскажу) и там мы обсуждаем уже с командой. Финальное решение по каждому треку принимает босс, Джон Флеминг. Я в этом смысле выступаю в роли «фильтра»: сначала пропускаю всё через себя, и только самые хорошие работы выношу на обсуждение. По опыту, это примерно 1 из 200~300 демок.

Помимо этого я также общаюсь с артистами лейбла и помогаю с внутренней коммуникацией. Вкратце, как-то так.

Как устроился

Попал на эту работу я практически случайно: просто получил письмо с приглашением и согласился. До этого о такой работе даже не думал.

К тому моменту я уже издал на JOOF Recordings несколько собственных релизов, поэтому с лейблом сложились доверительные отношения. По каким критериям я подошёл на эту позицию — не знаю, но позже главный менеджер сказал, что ему понравилось как я пишу письма и веду блог.

О зарплате не скажу — это конфиденциальная информация между мной и лейблом, которую я не вправе разглашать. Ну, а про то, как всё успевать, расскажу как-нибудь отдельно: это отдельная тема, которая затрагивает не только работу на лейбле.

Как я веду список дел

В заключение поделюсь наблюдением о том, что мне это всё дало. Работа A&R’ом позволила мне взглянуть на индустрию «по другую сторону баррикады», обрести новый опыт, репутацию и обзавестись сотней новых контактов. Если вы — музыкант, и вам выпадет возможность поработать на крупном лейбле, рекомендую воспользоваться этим шансом.

В общем, не знаю, чем подобные рассказы могут быть полезны, но если вам интересно что-то еще о работе лейблов или музыкальной индустрии — пишите, постараюсь ответить.

И зачем они музыкантам

Константин, предлагаю разделить вопросы на две темы: чем занимаются лейблы в целом и про мою работу на лейбле в частности. Сегодня — про первую.

Изначально рекорд-лейбл или просто лейбл — это компания, которая занимается изготовлением, тиражированием и распространием музыки. Сегодня большинство лейблов работают исключительно с цифровыми форматами музыки, поэтому можно сказать, что лейблы занимаются просто распространием музыки.

Главная задача лейбла — сделать так, чтобы музыка была представлена на рынке: в магазинах, у диджеев, в социальных сетях. Словом, донести музыку до аудитории.

Также лейблы помогают оформить трек в законченный продукт: делают обложки, мастеринг и организовывают ремиксы, если нужно. Пока всё просто.

Главная задача лейбла — сделать так, чтобы музыка была представлена на рынке

Теперь о том, зачем лейблы нужны музыкантам.

Во-первых, лейблы нужны, чтобы музыка попала в магазины (под «магазинами» я понимаю крупнейшие платформы продажи и стриминга музыки: Beatport, iTunes, Spotify и прочее). Так вот, если музыкант напишет трек и захочет сделать его доступным в магазинах, то сам он сделать этого не сможет: такие площадки не работают с артистами напрямую. Всю загрузку контента в магазины осуществляют дистрибьюторы — компании-посредники между лейблами и магазинами.

При этом нужно помнить, что продажа музыки практически не приносят доход напрямую, поэтому наличие вашей музыки в магазинах это фактически реклама вас как артиста. Просто один из способ донести своё имя до аудитории.

Правда о продаже музыки

Теперь самое интересное: а что отличает один лейбл от другого? Да и можно ведь собственный лейбл открыть, чтобы самому отправлять треки в магазины (многие так и делают). Что отличает хороший лейбл от плохого?

Ответ на этот вопрос: фан-база. Хорошие лейблы, по сути, кураторы контента: среди тонн низкопробных треков они отбирают только лучшие. Люди замечают, что под этим лейблом выходят качественные релизы, и начинают ему доверять; следят за новинками. Так со временем у хорошего лейбла образуется значительная фан-база.

Релиз на хорошем лейбле — это как персональная рекомендация: типа, «зацените этот трек, качество гарантируем». В этом смысле лейбл похож на режиссёра: если вам нравится, что он снимает, то вы с большой вероятностью обратите внимание и на его другие картины.

Релиз на хорошем лейбле — это как персональная рекомендация

По своему диджейскому опыту знаю, как важен лейбл. Пример: музыканты 3 Access & You и их трек Flow, о котором я ранее писал. Вообще ведь хз кто такие. И вряд ли я бы их нашёл, если бы они не выпустили альбом на лейбле Ovnimoon Records, за которым я уже давно слежу. И таких примеров сотни, когда благодаря лейблам я открывал для себя новых крутых музыкантов.

На мой взгляд, главная польза лейблов с точки зрения музыкантов именно в этом. В следующей раз расскажу о моей работе на одном из них.

Чем я занимаюсь на лейбле

Присылайте ваши вопросы тоже.

Эдгар, технически здесь всё классно: добротный саунд-дизайн и качественный продакшен. Сведено тоже хорошо. Мастеринг возможно пережат, но это дело вкуса.

Прокомментирую только контентую часть трека, но должен предупредить, что здесь уже чистый субъективизм.

Первое, что бросется в глаза (в уши?) — однообразный паттерн. Это особенно заметно, если перемещаться по треку 8-тактовыми интервалами. Вот, заснял экранное видео для демонстрации:

Обрати внимание на звучок на сильной доле, который вместе с тарелкой. Повторы слишком явные, из-за этого создаётся впечатление черновика: кажется, что либо это заготовка для чего-то большего, либо автор просто поленился. Попробуй сделать вариации, как-то развлечь внимание слушателя.

Из-за этого же однообразия и ровного развития трек кажется олдскульным: такой психоделик-транс делали году в 2005. Само по себе это и не плохо, и не хорошо. Например, в прогрессиве подобное однообразие и ровное развитие как раз характерный признак жанра, поэтому скорее хорошо. Здесь же — не знаю, но возможно имеет смысл задать себе вопрос, была ли здесь такая задумка.

Еще мне кажется, что в треке не хватает драйва. Это же Пситранс, должно хотеться рвать танцпол, а вот что-то не хочется. Возможно, дело в ритмическом рисунке, возможно, в эмоциональной наполненности. Должен быть контраст между «сухими» и «мокрыми» частями, а здесь его нет.

Вот несколько треков от других классных ребят, послушай для сравнения (для справедливости выбрал треки с таким же темпом и тональностью, 145 F#m):

Повторюсь, что все озвученное выше — моё субъективное мнение, а не ошибки, которые надо бежать исправлять. Пиши еще!

Присылайте ваши треки тоже.

Пока пишу новый пост в рубрику советов, посмотрите видос «10 причин, почему пситранс стал дерьмом»:

И всё бы ничего — ну, мало ли, хейтер какой-то сделал — но вот что примечательно: его сделал пситранс-музыкант Loud. То есть это не просто клёвый видосик, а пример осознанного вирусного маркетинга (2,5 ляма просмотров, однако). За это большой лайк.